Por qué los postres están en todas partes en el arte contemporáneo
Es demasiado fácil descartar esta ola de imágenes de confitería como escapismo.
Las ornamentadas pinturas de postres de gelatina de la artista británica Florence Houston son tan prístinamente hermosas, tan deliciosamente perfectas, que difícilmente podrías imaginarte comiéndolas. La masa gelatinosa moldeada en Wackleberry (2023), que se asienta perfectamente elástica sobre un plato amarillo con ribetes dorados, parece demasiado escultural para cortarla con una cuchara de postre. El imponente plato suave en tono pistacho se sirve en un cupé de postre de vidrio, en la pintura Neón Látigo, está inmaculado. Suspendido en el tiempo, no muestra signos de un derretimiento inminente.
El postre como motivo en el arte no es nada nuevo, pero cosas tan dulces han ido apareciendo cada vez más últimamente. Houston no está sola en su fascinación por estas delicias empalagosas. Hay Yvette Mayorga, quien empuja sus pinturas acrílicas, a menudo de color rosa Barbie, a través de bolsas de masa para que sus pinturas parezcan cubiertas con glaseado. La artista canadiense Laura Rokas la dedicó recientemente exposición en Rebecca Camacho Presents en San Francisco, con comidas tipo buffet inspiradas en las tarjetas de recetas de Betty Crocker y Weight Watchers; estas incluyen algunos postres gelatinosos descoloridos como una vieja fotografía colocada demasiado tiempo junto a la ventana de la cocina. Y en Templon esta primavera, Las pinturas de Will CottonIncluía sirenas y vaqueros merodeando en nubes de algodón de azúcar y descansando en bosques de piruletas. Un personaje pintado lleva un merengue en la cabeza.
En nuestra actual era de adicción a la dopamina, estas golosinas brillantemente artificiales, lujosas y espolvoreadas con azúcar parecen ofrecer un escape momentáneo hacia el placer sensorial. Pero bajo ese dulce indulto hay una crítica mordaz del capitalismo acelerado y de nuestros tiempos de recesión. En una época de sobrecarga sensorial, nos vemos obligados a preguntarnos: ¿Somos simplemente adictos a superficies seductoras?
Dulces vanitas
A medida que el apetito por la pintura figurativa disminuye decisivamente, han ido aumentando diferentes formas de naturaleza muerta. Estos han adquirido muchos estilos, pero difícilmente se podría doblar una esquina en ferias de arte o galerías el otoño pasado sin encontrarse con un resplandeciente ramo de flores al óleo o acrílico, o algún motivo parecido a una flor. Estas versiones de lo tradicional vanitas pinturas—pensar Configuración de la tabla de Hilary Pecis y las obras de naturaleza muerta meticulosamente escenificadas de Awol Erizku—simbolizan la inevitabilidad del paso del tiempo.
En el vanitas Pinturas de siglos pasados, la comida ofrecía un motivo perecedero. Un cáliz de vino, carne cortada en rodajas en bandejas, una fruta sin pelar y postres horneados se convirtieron en símbolos de la brevedad de la vida. Artistas contemporáneos’ La apertura parece estar estrechándose en el más pintoresco y vulnerable de estos deliciosos: ese plato final con una vida útil incluso más corta que una flor. En una economía global definida por un lujo conspicuo y un malestar recesivo, los postres parecen haber superado incluso nuestras obsesiones con el follaje y las flores.
Sin embargo, estas visiones contemporáneas ofrecen giros significativos sobre temas centenarios. De Jan Davidsz de Heem Una mesa de postres (c. 1640), un famoso vanitas El cuadro que cuelga en el Louvre se deleita en las superficies al tiempo que advierte de lo efímero de sus sabrosos temas y, por extensión, de la vida de los espectadores del cuadro. Una mesa lujosamente colocada —cargada de fruta y un pastel ya cortado— también tenía matices morales: se podían disfrutar dulces y artículos de lujo, pero también simbolizaban la inevitabilidad de la decadencia.
Se pueden ver los ecos de De Heem en la obra de Florence Houston, cuyos objetos individuales casi podrían extraerse de una de las obras del maestro holandés. Sin embargo, sus obras no son representaciones de una fiesta que muchos puedan disfrutar. Todo lo contrario: los postres de Houston son independientes— en ese sentido, son hiperindividualizados, increíblemente hermosos y podemos verlos como retratos reflejados de nosotros mismos en un mundo en línea prácticamente filtrado y cada vez más aislado.
Postres como agentes dobles
Descartar esta mezcla contemporánea de imágenes de confitería como simple escapismo es demasiado fácil —incluso si eso es precisamente lo que algunos coleccionistas pueden estar creyendo. Estas delicias visuales ofrecen un respiro fácil en un mundo de política fracturada, pero debajo del dulce brillo, los artistas están desplegando estos motivos como agentes dobles, seductores y críticos a la vez.
Los postres son el penúltimo símbolo de la entropía y por tanto del deseo —y la imposibilidad de— detener el tiempo. Houston, por ejemplo, prepara sus gelatinas moldeadas con un rigor casi científico. Los moldea a partir de moldes de cobre de la época victoriana y de vidrio de mediados de siglo, luego los pinta de la vida con exquisita atención a la luz y la sombra antes de que comiencen a perecer en su estudio de Londres. En una entrevista reciente en Revista de vidrio, vinculada a su espectáculo en Lyndsey Ingram, ofreció información. “Son hermosos, pero no apetitosos”, dijo sobre sus temas. “En realidad no se trata de su sabor; para mí, lo importante es su apariencia.”
Florencia Houston. Cortesía de Geordie Leyland
Ilusiones decadentes
Nuestra cultura basada en la pantalla también se ha centrado en golosinas e indulgencias recubiertas de azúcar. Hay toda una vía de ilusiones lúdicas dentro del vertiginoso mundo del porno gastronómico—con el “¿es pastel?” fenómeno, una mano incorpórea que sostiene un cuchillo corta un objeto que no se parece en nada a la masa y la crema de mantequilla para revelar capas de aspecto decadente de exactamente crema de mantequilla y pastel aireado. La noción de podredumbre cerebral virtual, por muy bonita que sea, parece reconocer la idea de perecibilidad y decadencia.
Esta fascinación de múltiples capas que parecemos tener por entregarnos y detectar el artificio es un terreno perfecto para la pintura subversiva. El trabajo de Yvette Mayorga es magistralmente engañoso—a primera vista, parece estar hecho de glaseado rosa. Pero sus pinturas acrílicas son, en cambio, una transformación inteligente de los excesos formales del rococó, y lee sus paletas de colores rosados a través de una lente latinoamericana e inmigrante (Mayorga es una de una flota de artistas que se inspiran en el movimiento artístico francés—. Escuche un podcast sobre aici).
En un reciente Entrevista en Artnet NewsMayorga dijo que la familiaridad con los dulces es una estrategia. “Todo el mundo puede identificar la belleza; es universal. Lo uso para crear una invitación seductora y edulcorada a una conversación mucho más profunda”, dijo. “Debajo del exceso siempre hay una historia—una sobre belleza, supervivencia, alegría, migración y memoria. Se trata de hacer espacio para esas historias en lugares donde no siempre se cuentan.”
También es una historia personal para Mayorga, hija de inmigrantes mexicanos en Estados Unidos, cuya madre trabajó como panadera en unos grandes almacenes en la década de 1970. La importante instalación del artista, que llegará a Times Square en Nueva York este otoño, podría leerse como una poderosa reprimenda al actual retroceso de los derechos de los inmigrantes que se extiende por todo el país.
En otras palabras, debajo de estos postres hay algo muy real—y es una realidad lejos de ser perfecta. En una muestra reciente llamada “A Meal in Itself” en Rebecca Camacho Presents, la pintora Laura Rokas canalizó postres de mediados de siglo y otros bocadillos de la época en su propio lenguaje distintivo. En cierto nivel, las obras evocaban nostalgia por la cena perfecta. Pero cuando uno piensa en la era Betty Crocker de los años 70, no lleva mucho tiempo recordar que esas cenas provenían del trabajo de mujeres que ingresaban a la fuerza laboral, pero seguían cargando con la mayor parte del trabajo doméstico. La ama de casa arquetípica realiza un artificio. Con un enfoque formal muy diferente, también me viene a la mente el trabajo conceptualmente descarado de la artista de performance estadounidense Karen Finley; Finley ha utilizado los postres de manera directa, combinando glaseado, chocolate derretido,y dulces para hablar de diversas cuestiones políticas, incluido el trabajo de género y la cosificación de las mujeres.
Excesos de color caramelo
Ninguna conversación sobre arte y postres podría estar completa sin mencionar los mundos color caramelo del artista pop Wayne Thiebaud, cuyos pasteles glaseados son a la vez alegres, nostálgicos y melancólicos. Sin embargo, la serialidad de Thiebaud siempre insinuó algo más que simplemente encantador. Vistos juntos, hablan del vacío del consumismo de masas. De manera similar, la pintora Kay Kurt ha aportado su distintivo hiperrealismo del arte pop a los dulces, las gomitas Scottie Dogs y el pescado sueco durante décadas.
Claes Oldenburg también encontró su camino hacia la dulzura con una obsesión de varios años por el motivo del helado. Sus esculturas tomaron el icono del ocio, ya fuera un helado o un helado, y lo retorcieron con el surrealismo y el arte pop. Sus obras maestras a gran escala, como Cono caído, que instaló en la azotea de un centro comercial en Colonia, fueron realizados con su socio Coosje van Bruggen. Capta el momento decisivo en el que un helado cae al pavimento.
En una entrevista con su hija, con motivo de un espectáculo en el local de Pace en Tokio, donde varios de sus Las obras de postre están a la vistaMaartje Oldenburg describió la fascinación recurrente de su padre por los dulces: estaba interesado en “cómo individualizar el objeto simple, cómo sorprenderlos”, dijo. Recuerda la iconografía aislada tanto de Houston como de Rokas, donde lo cotidiano se pinta en algo sublimemente surrealista.
En cuanto al exceso, Will Cotton utiliza dulces como material incluso cuando imagina figuras y paisajes (el pastel se convierte en una montaña, los envoltorios de dulces en un vestido). Sus extraños paisajes “de Candyland” juegan con referencias estadounidenses y cuestionan los mecanismos del deseo y, en ese sentido, un cupcake es su alegoría de la individualidad, la superficialidad y la inocencia. Hay una historia de advertencia ligada a sus obras que se hace eco de pinturas históricas como Los romanos en su decadencia, de Thomas Couture. La pintura de 1847 es una imagen inmaculadamente hermosa de placer y belleza. Pero esa misma imagen habla de una Roma en decadencia, un sustituto de toda la oscuridad que estaba por venir.
Cuentos de moralidad
En conjunto, las representaciones de la dulce tentación son un cuento moral apenas velado. Como Hans y Gretel comiendo la casa azucarada de la bruja, la tentación es un canto de sirena. Pero también los dulces son parte de los lujos de la vida y pueden ofrecer un respiro en una sociedad que lucha contra la crisis económica. En un momento de menguante prosperidad de la clase media, cuando la verdadera seguridad parece cada vez más fuera de su alcance, las pequeñas cosas cuentan.
La moda actual de Labubus, juguetes asequibles y coleccionables que vienen en cajas sorpresa en una variedad de colores de caramelo, ha sido diagnosticada por algunos como un síntoma de estancamiento económico. La descarga de dopamina que las pequeñas golosinas dan a los consumidores fue descrita por Leonard Lauder, del imperio Estée Lauder, quien descubrió que las ventas de lápiz labial aumentaron después del 11 de septiembre. En otras palabras, las golosinas pequeñas, comestibles o no, adquieren una nueva vigencia en una sociedad que se tambalea ante las realidades de la violencia.
Wayne Thiebaud, Confecciones (1962). Colección del Museo de Arte Moderno de San Francisco, donación de Byron R. Meyer.
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