¿Esperando ser descubierto? Los curadores revelan cómo los artistas emergentes pueden hacerse notar
"No puedes simplemente sentarte en el estudio", dicen los expertos.
Es notoriamente difícil para los artistas emergentes hacerse un nombre. Cada año, miles de aspirantes más a escuelas de arte se gradúan en un ecosistema cada vez más tenso y sobresaturado, en el que las galerías comerciales luchan contra las duras condiciones del mercado y los museos siguen siendo vulnerables a los recortes de financiación pública y a los caprichos de los donantes privados.
A pesar de este sombrío panorama, muchos artistas nuevos están logrando abrirse paso y recibir la atención que merecen. ¿cómo? Hablamos con los mejores curadores para obtener información exclusiva sobre cómo los talentos emergentes pueden destacarse entre la multitud y aprovechar al máximo las raras oportunidades de ser vistos.El consejo que se describe a continuación surgió orgánicamente de Una conversación más amplia sobre lo que hace a un artista “alguien a tener en cuenta.” Los destacados curadores que han trabajado de forma independiente, dirigido bienales internacionales y desarrollado programas en importantes museos, reflexionaron sobre varias décadas pasadas tratando de detectar la próxima gran novedad.
Estos son sus mejores consejos sobre cómo los artistas emergentes pueden captar —y mantener— la atención de un curador.
1. Sea proactivo en la construcción de su red
El primer obstáculo, y quizás el más desalentador, para alcanzar el éxito en el mundo del arte es conseguir que tu trabajo esté en el radar de las personas adecuadas. Aparecer en un animado programa grupal, por ejemplo. Hasta ese momento, es fácil sentirse atrapado en la periferia de una red más amplia, imposiblemente alejada de las conexiones más ventajosas. Esto puede resultar frustrante, pero muchos artistas ambiciosos probablemente estén subestimando el valor de codearse con sus pares.
Cada entrevista con el curador de esta historia enfatizó que una de sus principales fuentes para descubrir nuevos artistas son… otros artistas. Hitomi Iwasaki es directora de exposiciones en el Queens Museum de Nueva York, lo que ha hecho del apoyo a los talentos emergentes una parte central de su misión. “No puedes simplemente sentarte en el estudio y esperar a que alguien venga a descubrirte”, advirtió. “No hay otra manera que salir, ver cosas y hablar con compañeros para que te recomienden.”
lista de instalación de “sonia louise davis: para reverberar tiernamente” (2023/24). Foto: Hai Zhang. Cortesía del artista y del Museo de Queens.
Iwasaki también cree que podría ser imprudente pasar por alto a los aspirantes a curadores que tal vez aún no tengan un currículum extenso. Ella misma visita a menudo exposiciones de becarios de programas curatoriales. “Es curioso ver qué incluyen”, explicó. “Tienen un punto de vista diferente, un nicho diferente.”
Los artistas también pueden considerar dar el primer paso con curadores más establecidos. ”A veces la gente se me acerca, y eso está absolutamente bien”, dijo Marie-Anne McQuay, curadora de la actual 13a Bienal de Liverpool, en exhibición hasta el 14 de septiembre. “El mundo del arte es complicado de navegar y está muy cargado, por lo que los artistas no siempre saben si es apropiado comunicarse con alguien. Pero eso ha sucedido y también se ha hecho realidad con proyectos o espectáculos.”
Aunque los artistas sin galería pueden sentirse a la defensiva, muchos museos y curadores buscan construir relaciones de trabajo directas con artistas que no estén mediadas por intereses comerciales. En su anterior función como directora artística de la Fundación Julia Stoschek en Alemania, Lisa Long trabajó a menudo con artistas de imágenes en movimiento y nuevos medios cuyas prácticas no son necesariamente favorables al mercado. Recientemente fundó Companion Culture, una organización que tiene como objetivo proporcionar un nuevo modelo para “producir obras de calidad institucional fuera de las estructuras institucionales” sirviendo como socio estratégico y curatorial entre artistas, instituciones, marcas y patrocinadores.Espera que más artistas y trabajadores del arte busquen rutas alternativas hacia el mundo del arte. “Hay una diversificación muy necesaria en la forma en que producimos obras de arte, las mostramos y colaboramos”, dijo. “En una época en la que los recursos se están reduciendo, es importante encontrar formas de compartirlos y reunir a más actores”
2. Presentar un portafolio en línea organizado
Durante un reciente viaje a Túnez, Long recordó la importancia de las redes. “El talento emergente siempre es muy local”, dijo. “Me di cuenta de que allí era muy difícil comprender la escena y no todo el mundo tiene un sitio web” Además de confiar en el boca a boca, pudo acceder a la escena volviendo a descargar Instagram para conocer los próximos eventos, inauguraciones y lecturas.
Los curadores coincidieron en que, si bien siempre es preferible reunirse en persona, dependen de Internet para navegar en un mundo artístico cada vez más globalizado. “Me encanta escuchar directamente al artista de cualquier forma que pueda”, dijo Nora Lawrence, directora ejecutiva del Storm King Art Center, un museo al aire libre de 500 acres en el valle del Hudson de Nueva York. Tiene dos hijos pequeños, lo que limita su capacidad para viajar, pero es una gran seguidora de los medios artísticos y disfruta especialmente leyendo entrevistas.
Sin embargo, cuando se buscan nuevos talentos en línea, el sitio web de un artista es el rey. “Profundizaré en todo lo que esté disponible”, dijo Lawrence, señalando que siempre busca la declaración de un artista, recortes de prensa y una cantidad considerable de obras de arte que hayan sido claramente organizadas por año o serie. “Cualquier cosa que los artistas puedan hacer para que estas cosas estén fácilmente disponibles es increíblemente útil”, dijo. “Como curador, hay tantas cosas que se me presentan que presentar algo más que un comunicado de prensa me ayuda a llegar al meollo de las cosas en un mundo donde hay tantas prioridades en competencia por el tiempo y la atención”
Haciéndose eco de este sentimiento, Iwasaki, del Museo de Queens, espera que se le dé una idea del desarrollo de un artista, incluso si solo ha estado trabajando durante un corto período. “Los artistas deben componer su portafolio para que puedas ver evidencia de cómo ha evolucionado el artista y tener una idea de lo que puedes esperar en los próximos años”, dijo. “También queremos ver señales de que el artista es consciente del contexto en el que existe y de lo que sucede ahí fuera en general. Los signos se manifiestan de diferentes maneras, pero eso es lo que buscamos.”
3. Tenga un mensaje claro
“Presto atención a las formas e ideas que enmarcan la obra tanto como a las historias y geografías con las que se alinean las obras”, coincidió Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, quien actualmente está curando la obra 36a Bienal de São Paulo, inauguración el 6 de septiembre. Recibe muchos portafolios y se toma el tiempo para revisarlos todos, aunque no siempre sea capaz de responder.
Tanto la conciencia del contexto como un mensaje subyacente fuerte y cohesivo eran cruciales. “¿Qué captura el momento?” es la consulta guía para Long. “Como curadora, pienso en la cultura y la sociedad en general y en cómo podemos, como trabajadores de las artes, crear espacios en los que las personas se vean a sí mismas e imaginen otras formas de ser”, dijo. “Pienso en las urgencias, y no son necesariamente mías, pero mi subjetividad juega un papel importante sin duda.” La mayoría de los curadores tienen sus propios intereses y ambiciones más allá de simplemente descubrir arte nuevo y atractivo, por lo que tiene sentido investigar su trabajo anterior antes de acercarse.
Reciente discurso, incluida la polémica ampliamente leída de Dean Kissick “La protesta pintada” Desde el otoño pasado, ha criticado el enfoque de la política de identidad en gran parte del arte contemporáneo actual. Sin embargo, Long asegura a los artistas que su trabajo no necesita ser explícitamente político para ser considerado por la mayoría de los curadores. “Pero sí creo que los artistas hacen su trabajo por una razón específica, y esa razón puede ser urgente para ellos”, dijo. “Cuando conozco a un artista, puedo entender cuando realmente cree en lo que está haciendo y lo respalda plenamente. Eso es algo con lo que me conecto muy fuertemente.”
“Quieres sentir que alguien tiene confianza o está comprometido con su práctica”, estuvo de acuerdo McQuay. “Puede que estén en el proceso de trabajar en algo pero, al trabajar en ello y presentarlo, sería un momento productivo para ellos. Trabajo en relación con el sitio, el contexto y la instalación, por lo que siempre pienso en artistas que están en el momento adecuado con la narrativa de su trabajo pero también, con el apoyo adecuado, con la realización física.”
4. No olvides los aspectos prácticos
Una vez que estás en una conversación continua con un curador sobre un proyecto potencial, ¿cuáles son los errores comunes que los artistas menos experimentados deberían intentar evitar?
En el Museo de Queens, Iwasaki supervisa la beca bianual de la Fundación Jerome, que ofrece 20.000 dólares, espacio de estudio gratuito y una exposición individual a dos artistas que aún no han realizado exposiciones individuales en galerías ni han recibido subvenciones importantes. Las solicitudes se realizan mediante convocatoria abierta. “Si tu propuesta apesta, incluso si tienes contenido y talento, ahí es donde te detienes”, dijo Iwasaki. Además de un CV completo y un concepto interesante, quiere ver evidencia de que el artista ha considerado cuestiones relacionadas con el presupuesto y un cronograma de trabajo realista. “Sé que es mucho pedirle a un artista, pero creo que es un requisito para un artista hoy en día”, dijo. “Incluso si tienen que consultar a un montón de otras personas, tienes que hacerlo.”
De Heather Hart El Oráculo de Lacuna (2018). Cortesía del artista y del Storm King Art Center.
En Storm King, el curador Lawrence apoya la producción e instalación de piezas públicas monumentales. Para muchos artistas participantes, es la primera vez que se adentran en un nuevo medio, escala o contexto. En las primeras conversaciones, Lawrence debe establecer si un artista es capaz de asumir un proyecto que puede requerir mucho tiempo y trabajo.
Es importante, por tanto, que los artistas sean honestos sobre su entusiasmo por las nuevas oportunidades, así como cualquier otro compromiso que puedan tener que pueda complicar los plazos o reducir el tiempo y la atención que pueden dedicar al proyecto. “De vez en cuando encontrarás a alguien que aprovecha la oportunidad, pero luego empiezas a hablar de aspectos prácticos, materiales o cosas así y es posible que necesite pensar un poco más en ellos”, dijo Lawrence.
5. La flexibilidad es clave
“Cuando las cosas van realmente bien, lo que surge en la conversación es una afinidad por el tipo de experimentación que se requiere para crear trabajo dentro de un paisaje”, añadió Lawrence. “Siempre hay algo nuevo, siempre algo inesperado, y los proyectos serán mucho más fuertes si el artista está interesado en hacerlo”
Cuando los curadores dan un salto de fe al encargar el trabajo a un nuevo artista, lo invitan a un proceso colaborativo que probablemente requerirá cierta curiosidad y flexibilidad. Lawrence se siente más alentado cuando los artistas ya han pensado en consideraciones como qué tipo de base podría necesitar una obra, su durabilidad o cómo se verá in situ. “No es así como juzgo el talento, pero es útil que la gente ya piense en estas cosas”, dijo. “Puede resultar increíblemente útil estar abierto a alternativas en términos de ubicación, materiales utilizados y escala”
Vista de la galería de la Exposición de Verano 2021 de la Real Academia. Foto: © David Parry/ Real Academia de las Artes.
Este sentimiento fue compartido por otros curadores. Long, de la Fundación Julia Stoschek, busca trabajar con artistas “que estén interesados en recibir retroalimentación, en ese ir y venir. Con artistas jóvenes y emergentes, a menudo todavía se pueden aprender cosas incluso de cómo se instalan las exposiciones”
“Siempre es una bendición trabajar con artistas –emergentes o no– que tengan los pies en la tierra y estén dispuestos a comprender el panorama general”, dijo Ndikung. Enumeró los egos entre el presupuesto y el concepto como desafíos clave para cualquier proyecto.
https://news.artnet.com/art-world/artists-how-to-get-discovered-2669293
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