Una Mirada Inevitable: Amy Sherald: “El meollo del asunto…” 

Reseña

Retratos que capturan lo cotidiano.

by Re’al Christian

October 17, 2019

Amy Sherald, The girl next door, 2019. Oil on canvas. 54 × 43 inches. © Amy Sherald.

 Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo by Joseph Hyde.

Desde la presentación de su retrato de la ex primera dama Michelle Obama en febrero de 2018, Amy Sherald ha estado a la vanguardia de la atención pública. Su exposición "El corazón del asunto..." en Hauser & Wirth es la primera desde que se unió a la galería. Ocho nuevas pinturas, todas menos una de este año, forman parte de la exposición, cuyo título proviene del primer capítulo del libro fundamental de bell hooks, Salvation: Black People and Love (2001).

Pocos artistas actuales enfatizan la figura como lo hace Sherald. Ella coloca a sus sujetos en primer plano eliminando otros elementos compositivos, aparentemente desestimándolos como ruido visual. La frontalidad estoica de sus sujetos evoca la estética de la fotografía clásica de retrato, una de las muchas maneras en que Sherald hace referencia a las tradiciones artísticas para subvertir el canon de la historia del arte. En el brillo color caramelo de sus lienzos, desprovistos de contexto, el espectador se ve obligado a conectar con la mirada cautivadora e inevitable de cada sujeto. La variación en sus expresiones es casi imperceptible, lo que permite al espectador proyectar sus propias interpretaciones de los sentimientos y la identidad del sujeto.

Seis de las pinturas expuestas son características de la obra de Sherald. Presentan retratos de tres cuartos de cuerpo de afroamericanos hermosos, jóvenes, impecablemente vestidos y con peinados naturales, cada uno de piel gris y proyectado sobre un fondo de colores brillantes. Las otras dos pinturas son monumentales, con composiciones más complejas y detalles escénicos que las sitúan en entornos vagamente narrativos.

Amy Sherald, If you surrendered to the air, you could ride it, 2019. Oil on canvas. 108 × 130 inches. © Amy Sherald. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo by Joseph Hyde.

Una de las pinturas a gran escala, If you gaved to the air, you could ride it (Si te rindieras al aire, podrías montarlo, 2019), toma su título de otra fuente literaria: la novela de Toni Morrison, Song of Solomon (1977). Retrata a un joven sentado en un andamio, con su impecable jersey de cuello alto blanco y sus pantalones, sombrero y cinturón de vivos colores vibrando contra el fondo azul cielo. Mira al espectador, sereno y cómodo en su posición aparentemente precaria sobre la viga poco profunda. La pintura se inspiró en las famosas fotografías de Charles C. Ebbets de trabajadores del hierro construyendo rascacielos en la ciudad de Nueva York. Como observa Sherald en una entrevista publicada en el sitio web de Hauser & Wirth, la fotografía, especialmente para los estadounidenses negros del siglo XIX, «dio a personas que antes no tenían control sobre la proliferación de su propia imagen la capacidad de convertirse en autores de su propia narrativa».

Las pinturas más pequeñas son todas del mismo tamaño, con figuras ligeramente más grandes que el natural que miran al espectador. Con paletas saturadas, ropa suntuosa pero sencilla y estampados audaces, la tactilidad de pinturas como Handsome (2019) y The girl next door (2019) se diluye significativamente en las reproducciones digitales de la obra de Sherald, lo que disminuye los delicados detalles y la sutil tonalidad de su técnica. En definitiva, la obra pide ser vista en persona. No hay falsa ingenuidad en el manejo de la pintura de Sherald; ella, al igual que sus modelos, obliga al espectador a observar con más atención.

Amy Sherald, When I let go of what I am, I become what I might be (Self-imagined atlas), 2018. Oil on canvas. 54 × 43 inches. © Amy Sherald. Courtesy the artist and Hauser & Wirth. Photo by Joseph Hyde.

Dejando a un lado los tonos seductores y las figuras elegantes, la engañosa banalidad de la obra de Sherald es lo que la hace excepcional. Lo que hace tan bien, y quizás la razón por la que su trabajo es tan resonante, es presentar a los estadounidenses negros liberados de la carga y el contexto del prejuicio racial. Ella representa, según una entrevista de 2016 con el National Endowment for the Arts, "estadounidenses haciendo cosas estadounidenses cotidianas". Estas son imágenes que parecen de alguna manera nostálgicas y separadas de nuestra experiencia vivida. Ella representa la identidad negra por lo que es, no por lo que se cree que es, un sentimiento capturado en el título de su pintura Cuando dejo ir lo que soy, me convierto en lo que podría ser (Atlas autoimaginado) (2018), de una cita del antiguo filósofo chino Laozi. La figura central, un joven con un blazer ocre, pantalones verde oscuro, camisa blanca brillante y boutonnière, mira fijamente al espectador. Su expresión parece sombría, aunque la margarita naranja deshilachada en su solapa, su cabello largo y suelto y el fondo lila podrían sugerir lo contrario. Él, como todos los sujetos de Sherald, no revela demasiado, pero exige ser visto.

La sutil profundidad de su obra reside en que estos cuerpos negros no necesitan ser descaradamente politizados o radicalizados para llamar nuestra atención. Como personas comunes con vidas interiores, tienen la capacidad de simplemente existir.

Amy Sherald: “the heart of the matter…” is on view at Hauser & Wirth in New York City until October 26.

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Re’al Christian es escritora independiente e historiadora del arte, residente en la ciudad de Nueva York. Sus escritos han aparecido en Art in America, Art Papers, Art in Print y en la revista Studio del Studio Museum of Harlem. Estudió una maestría en Historia del Arte y Estudios Curatoriales en Hunter College y obtuvo su licenciatura en Historia del Arte y Estudios de Medios en la Universidad de Nueva York.