Más que muchos artistas, Jean-François Millet (1814–75) ha visto su reputación forjada por otros. Las respuestas a su trabajo, tanto de admiradores como de detractores, ofrecen una variedad de impresiones, impidiendo una evaluación definitiva. A pesar del auge de la industrialización y sus implicaciones sísmicas, fue Millet, con el entorno rústico, el trabajo rural y un modo de vida estacional como sus temas principales, quien se convirtió en una de las figuras definitorias del arte del siglo XIX.
"Millet: Life on the Land", en la National Gallery de Londres, conmemora el centenagésimo cincuenta aniversario de la muerte del artista y comprende una selección de óleos y dibujos. Presentando obras que representan la siembra y la xilografía, se acompañan del préstamo de la pieza central de L'Angélus del Musée d'Orsay, una sección sobre mujeres en el trabajo y escenas de recolección de madera.
Nacido en una familia de la élite campesina, Millet recibió una educación excepcional que incluía latín y un profundo aprecio por la colección de arte del Louvre. Se sabe que el cultor Millet estudió los escritos de Vasari y Poussin. Al igual que su casi contemporáneo Courbet, se produjo un giro hacia temas campesinos y un estilo más maduro tras la revolución francesa de 1848.
Aunque Courbet se asoció con un compromiso político explícito y el bohemianismo, Millet no fue un disidente inequívoco. Ni reaccionario ni revolucionario, su política carecía de la extremidad de las de Delacroix y Courbet; Quizá por eso la reacción a sus fotos ha sido tan amplia, lo que ha provocado elogios y críticas de figuras de todo el espectro político.
Van Gogh escribió una vez que fue Millet, más que Manet, quien más expresó la naturaleza esencial de la pintura moderna. La obra de Millet se produjo en una época de considerable evolución en las artes, incluyendo la revaloración de artistas olvidados como los hermanos Le Nain y un seguimiento decreciente del neoclasicismo y el romanticismo.
La identidad campesina de Millet perduró durante su estancia en París, una ciudad que no le favorecía. Los problemas financieros persistieron, con comisións difíciles de conseguir; Vivía en un desván produciendo desnudos comercializables y encontró trabajo pintando carteles. Al final rechazó la capital, eligiendo en su lugar mudarse al pueblo de Barbizon, donde representar el mundo rural se convirtió en casi todo el foco de su arte.
Su tratamiento de los trabajadores, un tema tan impregnado de historia, ha suscitado respuestas apasionadas. Algunos de los más destacados fueron críticos, acusando al artista de sentimentalismo hacia una clase obrera terrestre. Sin embargo, a través de sus ahora arquetípicas imágenes de la vida campesina, Millet ganó devotos que sentían que su trabajo revelaba el potencial revolucionario de los trabajadores manuales.
El exceso de debate y fama que rodea las pinturas de Millet está en gran medida ausente en sus dibujos. No obstante, estos últimos fueron una parte fundamental de su práctica y a menudo sirvieron de base para sus óleos. La selección de esta exposición comprende una serie de figuras de pastoras, obreros que parten leña y una escena de arado.
Las pinturas más características de Millet ofrecen un rechazo bien medido al artificio, combinado con una respuesta sincera a la naturaleza, un instinto evidente en las citas que escribió de escritores como Montaigne y las hermanas Brontë. Su preferencia por técnicas más "primitivas" o directas encontró inspiración adicional en las obras de Pieter Bruegel el Viejo y en grabados del norte de Europa de los siglos XVI y XVII.
Es tentador ver su traslado de París al campo como otra manifestación de esta convicción. Por encima de todo, era un regreso a lo familiar y permitía una cercanía a las cualidades arcadianas que había encontrado en la literatura y en su vida temprana.
De la propia colección de la National Gallery, The Winnower (1847–48) sirve como tema para esta exposición. Comprada por un político republicano inmediatamente después de la abdicación del rey Luis Felipe, fue un éxito crítico cuando se mostró en 1848.
A pesar del rechazo de Millet a la cultura del salón, su ávida lectura de Homero, Virgilio y Dante, entre otros, junto con la tradición de recurrir a la antigüedad, le proporcionó una base sólida y duradera. Sus imágenes sólidas, desafiantes y escultóricas de campesinos sustituyen los temas tradicionales de la imaginería religiosa, la gran historia y el clasicismo académico.
L'Angélus (1857–59) es una de las pinturas más reconocibles y referenciadas de Millet. Contra un atardecer, una pareja aparece en reposo en medio de la cosecha; La mujer está en oración mientras el hombre baja la mirada con una expresión más ambigua. La obra es el principal préstamo de esta exposición y, desde su creación, ha provocado reacciones fascinantes tanto de artistas como de críticos. Para Camille Pissarro fue una obra de sentimentalismo imperdonable, mientras que Dalí, probablemente el admirador más publicitado de la pintura, encontró en la imagen una sexualidad violenta que resultó ser una fuente duradera para su propia obra.
Una observación del crítico de arte Jules-Antoine Castagnary puede ayudar a definir aún más el énfasis de Millet en el mundo pastoral: para hacer nuevos descubrimientos, los artistas buscaban espacios aún libres de urbanización y su decadencia asociada. Los comentaristas han trazado paralelismos entre la obra de Millet y la de Poussin y Miguel Ángel, el primero por el tema y el segundo por el manejo figurativo y la monumentalidad. Permanecen huellas religiosas mientras que los motivos clásicos cuidadosamente manipulados se combinan con aspectos de la vida obrera contemporánea.
Millet conocía las dificultades de la existencia campesina; También había experimentado la vida en la ciudad y la había abandonado por el entorno que más le movía. En las imágenes aquí, cuando los trabajadores no están representados solos, no se están mirando entre sí. No se muestran en escenas domésticas ni en juegos. En un óleo, The Faggot Gatherers (1868–75), los rasgos faciales apenas se reconocen.
Esta es la primera exposición individual de Millet en el Reino Unido en casi cincuenta años, y aún hoy con una selección relativamente pequeña de obras. La disposición de las imágenes en esta exposición concentrada ofrece una impresión constante y resignada, sugestiva de la melancolía que se dice atormentaba al artista. Independientemente de si su objetivo era transmitir el trabajo campesino con desinterés o inducir resistencia a este sufrimiento, Millet produjo algunos de los cuadros más significativos de la vida de mediados del siglo XIX. Su visión de la vida trabajadora es más oscura de lo que a menudo se piensa y, en esta exposición, sostenida con un estoicismo fatalista.
John Chaves es escritor freelance y conservador de arte.
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